EL NEOCLASICISMO

MUSEO DEL PRADO

A mediados del siglo XVIII el estilo neoclásico destruyó las extravagantes formas a las que había llegado el Rococó, restaurando la sencillez de las formas antiguas, tanto en las masas arquitectónicas como en la decoración. Los teóricos del arte de este período definieron las nuevas tendencias neoclásicas afirmando que la belleza ideal no existe en la naturaleza, sino que corresponde al hombre crearla con la fuerza de su espíritu artístico; ahora bien, solamente los griegos alcanzaron con su arte esa plenitud por lo que el artista moderno no tiene más remedio que imitarlos.


ARQUITECTURA.

       PLACE DE LA CONCORDE

 En Francia la arquitectura neoclásica comprende dos etapas, el estilo Luis XVI y el estilo imperio que se distinguen más en el aspecto de la decoración de interiores que en la técnica constructiva.
  El arquitecto más célebre de tiempos de Luis XVI fue Jacques-Ange Gabriel (1698-1782), que restauró la columnata del Louvre, construyó el teatro de la Ópera y realizó el conjunto arquitectónico-urbanístico de la Place de la Concorde. Otro gran representante del estilo Luis XVI es J. Germain Soufflot (1713-1780), autor del Panteón y de la Escuela de Derecho (en Paris) y del teatro de Lyon.
 La obra más representativa del estilo Imperio es la iglesia de la Madelaine, hecha siguiendo los planos de Barthelemy Vignon (1762-1828). Durante la época napoleónica se resucitó la moda romana de erigir columnas conmemorativas (como la de Austerlitz) y arcos de triunfo, como el de Carroussel (debido a Charles Percier y P.F. Fontaine) y el de la Place de l' Etoile (obra de Chalgrin).
 En España la obra de Juan de Villanueva es plenamente neoclásica. Su obra maestra es el Museo de Ciencias Naturales (actualmente Museo del Prado).
 El triunfo del neoclasicismo se extendió también a América: México (catedral, Colegio de Minería), Guatemala (la parate nueva de la ciudad), Cuba,( numerosas villas de recreo, particularmente en la zona de Trinidad.), Colombia (catedral de Bogotá), Chile (Casa de la Moneda y fachada de la Catedral de Santiago) y Uruguay (Catedral de Montevideo).
 Inglaterra se convirtió al nuevo estilo con los hermanos Adam influídos por Palladio y con Josiah Wedgwood. Las mejores obras inglesas de este estilo son la la Trinity House, el Banco de Inglaterra y el Palacio de Buckingham  (Londres). En Italia hubo dos centros importantes del neoclásico: Milán con los arquitectos Piermarini (teatro de la Scala, Palacio real) y del Cagnola (Arco de la Paz) y Roma con Valadier (Plaza de Popolo) y Simonetti (Museo del Vaticano).
 La mejor muestra del neoclasicismo ruso es la ciudad de Leningrado, hoy San Petersburgo, cuya Academia adoptó las  normas estéticas de la parisiense y donde trabajaron sobre todo arquitectos extranjeros: Thomon (columna Poltoya, teatro de Moscú), Montferrand (Catedral de San Isaac), Carlo Rossi  (Palacio del Senado). En Alemania fue Berlín el centro más activo (Puerta de Brandeburgo de Langhaus y Museo de Berlin de Schinkel). También Munich, con su Pinacoteca obra de Klenze.
  A finales del siglo XVIII, las grandes ciudades estadounidenses contaban con edificios neoclásicos. Su mejor arquitecto fue Jefferson autor del Capitolio de Richmond y de la Universidad de Charlottesville.


ESCULTURA

EROS Y PSIQUE

BUSTO DE NAPOLEÓN

El italiano Antonio Canova (1757-1822) es la máxima figura del neoclasicismo escultórico. Sus obras se caracterizan por una idealización de la figuara humana que elimina todo movimiento espontáneo y natural. Cultivó el retrato (Napoleón , Paulina Bonaparte). Erigió también los magníficos monumentos funerarios de los Papas Clemente XIII y Clemente XIV.
 El danés Bertel Thorvaldsen (1768-1844)  fue un creador muy prolífico, en el Muse de Thorvaldsen de Copenhague se conservan más de quinientas obras suyas. Permaneció casi toda su vida en Roma, donde realizó algunas de sus mejores obras de tema mitológico (Eros y Psique, Jasón, Ganímides y el Águila).
 En Inglaterra, el principal representante del Neoclasicismo fue John Flaxman (Sepulcro de Almirante Nelson en la Catedral de San Pablo de Londres)
 En Francia, los tres escultores más dignos de mención son Jean Jacques Pradier (autor de las doce Victorias de la tumba de Napoleón I en Les Invalides), Francoise Rude (grupo de La Marsellesa en el Arco de Triunfo de l'Etoile) y David d'Angers, que ya inicia la tendencia romántica.

EL JURAMENTO DE LOS HORACIOS

PINTURA


Los máximos representantes del Neoclasicismo  son franceses, pues en esta época París vuelve a ser el principal centro creador de novedades artísticas.
 El pintor que contribuyó de un modo decisivo a la afirmación del estilo neoclásico fue Jacques Louis David (1748-1825), que desarrolló una extensa producción de cuadros de historia y mitología clásica, caracterizados por su frialdad y por su monumentalidad (Juramento de los Horacios, Las Sabinas, Juramento del juego de pelota).
 Antoine Gros (Los estados de Jaffa) revela un gusto por el color, ajeno a la influencia davidiana y más cercano al Romanticismo.
 Jean Auguste Dominique Ingress (1780-1867) fue un excelente retratista (Mademoiselle Riviére); pintó cuadros históricos (Apoteosis de Napoleón) y religiosos (Juana de Arco), pero su fama la debe a sus sensuales desnudos femeninos, entre los que se destaca el Baño Turco.
 En España, por la misma época la genialidad de Goya, completamente despreocupada del neoclasicismo de moda, representa la más alta cima de creatividad pictórica. Franciso de Goya y Lucientes (1746-1828) empezó a hacerse famoso entre la nobleza y los grandes cortesanos por su labor como retratista. Pintó al ministro Floridablanca, al Infante Don Luis y después fue nombrado primer pintor de cámara de Carlos IV, retrató a Godoy y a la Familia de Carlos IV. Más tarde retrataría también a Fernando VII.
 En 1792, sufrió una grave enfermedad a consecuencia de la cual quedó sordo, iniciándose con ello un período de ensimismamiento que lo llevan a realizar la serie de grabados titulada Los Caprichos.
 La invasión napoleónica de 1808 le causó un terrible impacto que se refleja en su nueva serie de grabados Los desastres de la guerra. Terminada la contienda, en 1814, pintó dos de sus obras maestras,  La lucha de los mamelucos y Los fusilamientos en la montaña del Príncipe Pío, en las que se inicia su vena expresionista. De la misma época es la colección de aguafuertes Los desastres de la guerra.

SATURNO DEVORANDO A SUS HIJOS - PINTURAS NEGRAS - GOYA

LOS TOROS DE BURDEOS

 LA LECHERA DE BURDEOS

En 1819 realizó la más atormentada de sus pinturas, que jamás haya pintado nadie: las Pinturas Negras, así llamadas tanto por el tono predominante oscuro de su paleta, como por el carácter tenebroso de su temática (aquelarres, brujas, demonios). Sus últimos años, tras la reacción absolutista de 1823, los pasó voluntariamente exiliado en Francia, donde pintó Los toros de Burdeos (serie de hermosas litografías) y La lechera de Burdeos, su última obra importante.

 GOYA de VICENTE LOPEZ

Vicente López (1722-1850), que se destacó sobre todo como retratista (Goya, Fernando VII) y José de Madrazo (1781-1859), que realizó composiciones de gran teatralidad (Disputa entre griegos y troyanos), son los dos representantes españoles típicos de la pintura neoclásica.


Fuente: Enciclopedia Temática Océano.


Melan.

BIENAL INTERNACIONAL DE ESCULTURA 2010 DEL 17 AL 24 DE JULIO EN RESISTENCIA CAPITAL DE LA PROVINCIA DEL CHACO, ARGENTINA.

MIMO EIDMANESCULTORA ARGENTINA

No sé si alguna vez les conté que tengo una amiga escultora. Ella es Mimo Eidman, escultora reconocida internacionalmente con varios primeros premios en su haber.

Bien hace ya años, ha organizado junto con un grupo de artistas de la ciudad de Resitencia, la ciudad de las esculturas, esta Bienal que convova y atrae a escultores de todo el mundo.

Es fascinante verlos hacer nacer su obra del bloque de mármol u otros materiales especialmente traídos. En esos días la ciudad se engrandece, muchos turistas la recorren y los habitantes se enorgullecen de pertenecer a una ciudad que aparentemente muy pronto será distinguida con el título de patrimonio cultural de la humanidad.

Hace rato que no dejo nada en este blog, pero mi amiga me envió esta dirección de mail www.bienaldelchaco.com y por eso me pareció que no hay mejor manera que mirararte directamente, no sólo a la obra terminada sino a la obra desde que empieza a ser descubierta por el autor desde las entrañas del material con el que trabaja.

Y más aún, aquellos que son artistas tener la posibilidad de participar de ella. La inscripción termina el 26 de mayo, es una lástima que recicén hoy me entero y puedo publicar esta invitación. Espero que aún haya tiempo para aquellos que hoy visitan mi blog y les interesa inscribirse. Los requisitos están en los enlaces.

No es la mejor manera de mirararte?

BIENAL 2010+ REGLAMENTO• CONCURSO INTERNACIONAL• CONCURSO NACIONAL• PREMIO DESAFÍO+ ESCULTORES SELECCIONADOS• CONCURSO INTERNACIONAL• CONCURSO NACIONAL• PREMIO DESAFÍO JURADO ACTIVIDADES PROGRAMA PREMIO DESAFÍO PLANO DEL PREDIO TESTIMONIALES / BIENAL 2010 GALERÍA DE IMÁGENES / BIENAL 2010
DE REPENTE, EN UN LUGAR COMÚN, TE ENCONTRÁS CON EL ARTE, LO TOCÁS, LO SENTÍS, LO VIVÍS, TE MARAVILLÁS… Y ASÍ, UNAS 500 VECES MÁS.
La Bienal Internacional de Escultura 2010, del 17 al 24 de Julio, en Resistencia, capital de la provincia del Chaco. Esta edición convoca a 10 de los más prestigiosos artistas del mundo que realizarán, a cielo abierto y ante miles de espectadores, una obra original e inédita.La masiva concurrencia del público, proveniente de los más variados puntos del país y del mundo, transformará a este mágico escenario en el suceso cultural y social que, como en las ediciones anteriores, reunirá más de 150.000 personas para vivir un momento de vida a través del arte.El destino de las obras será las calles y avenidas de Resistencia, incrementando el patrimonio escultórico de la ciudad, actualmente conformado por más de 520 obras de los más destacados artistas del planeta. Las esculturas resultantes de esta bienal seguirán a la vista y al alcance de todos, en una ciudad que se muestra hoy como un singular museo al aire libre y como un espacio donde la importancia de sus obras, el respeto y el orgullo que sus habitantes sienten al poder contar con ellas, convergen en una verdadera expresión de identidad, en la cual el arte es mecanismo de perfeccionamiento y un medio de elevación espiritual."Invitamos a todos los habitantes del planeta a sentir la calidez de nuestra gente y les aseguramos que en todos los inviernos de sus vidas habrá un Chaco y una Resistencia, la Ciudad de las Esculturas”.ÚLTIMAS NOVEDADES GALERÍA DE IMÁGENES MECENAS TESTIMONIALES PRENSACONTACTO PUBLICITAR STANDS VER VIDEOPREMIO DESAFÍ0se prorroga la fecha de inscripción (unicamente vía WEB) hasta el 26 de mayoINSCRIPCIÓN GRATUITAa Talleres y Conferencias (cupos limitados)FUNDACIÓN URUNDAY Av. de los Inmigrantes 1001 Resistencia - Chaco - Argentina Te: 54 3722 415020BIENAL 2010 FUNDACIÓN URUNDAY MusEUM RESISTENCIA, LA CIUDAD DE LAS ESCULTURAS CONCURSOS ULTIMAS NOVEDADES TESTIMONIALES GALERÍA DE IMÁGENES MECENAS CONTACTO http://www.bienaldelchaco.com/

Melan

DEL ROCOCÓ AL SIGLO XIX

Palacio Belvedere en Viena



EL ROCOCÓ





La fase final del arte barroco, por su cada vez mayor libertad estilista, acabó desembocando en una nueva sensibilidad: el Rococó. Al principio esta denominación encerró un tono despectivo y finalmente pasó a significar el nuevo estitlo decorativo de la Francia de Luis XV.


El Rococó nació en los frívolos ambientes del la fantasiosa burguesía francesa, que pretendió convertir la decoración de sus salones en una muestra exterior de riqueza. El Rococó no se consideró un estilo adecuado para edifios religiosos u oficiales, pero sí tuvo una gran aceptación en las casas privadas.


El Rococó, que más que un estilo artístico fue una moda cortesana, manifestó una gran preferencia por los materiales brillantes (metales, piedras preciosas, lacas, espejos, sedas) y por las formas extravagantes, sinuosas e imprecisas. Una de las características más revolucionarias del Rococó fue la revalorización de los géneros artísticos considerados menores: grabados, tapices, mobiliarios, miniaturas, porcelanas (entre éstas fueron famosas las de Sévres.

La arquitectura Rococó alcanzó escaso desarrollo pues pronto aparecieron las tendencias neoclásicas que iban a sustituirla. Sin embargo, sin embargo en Francia se construyó el Palacio de los Príncipes Doria, en Alemania los edificios reales de Berlín, Dresde y Munich, y en Viena el famoso Palacio Belvedere.

ARTE BARROCO II

ESCULTURA

Italia

En el campo de la escultura, la aparación del barroco puede entenderse como el resultado de un proceso gradual en el que, partiendo de la expresión plástica de una agitación anímica se llega a una auténtica explosión en la que desaparece al contención, con lo que el verdadero tema que se esculpe no es ya la figura, sino un disperso y excitado movimiento. Prueba de ello es la importancia que adquieren los ropajes, que casi suplantan a las figuras, sus plegados se hacen cada vez más retorcidos y arremolinados.

ARTE BARROCO

En la sensibilidad barroca se aprecia una tendencia espectacular hacia lo decorativo,un abandono de las reglas de la estética clásica, una búsqueda de originalidad a toda costa, un predominio de la fantasía sobre la fiel representación de la realidad, una explosión minuciosa de la psicología humana y un gusto desmesurado por la ampulosidad.
 Tradicionalmente se denomina "Barroco", al período que transcurre entre 1600 a 1750. La especial actitud estilística que caractreriza al arte barroco alcanzó su momento de madurez en Italia hacia 1630 y se desarrolló en los cuarenta años siguientes. A partir de este momento se difundió por todas las naciones de Europa, adquiriendo particular importancia en España y en las ciuades hispanoamericanas.
 El arte barroco jugó un papel importante en los conflictos religiosos de este período. Frente a la tendencia protestante de construir los edificios para el culto de una manera sobria y sin decoración, la iglesia católica usará para sus fines litúrgicos la grandiosidad y la complejidad barroca.

ARQUITECTURA                       

El temperamento arquitectónico y urbanístico de Gian Lorenzo Bernini (1589-1680), cuya obra es un auténtico manifiesto del arte barroco se desplegó en la creación de grandes palacios, jardines, plazas, calles y fuentes, la mayoría en Roma. Sus trabajos más famosos son el pórtico y la columnata de la Plaza San Pedro del Vaticano y las Iglesias de San Andrés (Quirinale) y  Santo Tomás (Castelgandolfo)

IGLESIA SAN ANDRÉS QUIRINAL

                                                           CASTELGANDOLFO               

Francesco Borromini (1599-1667), fue un verdaderro virtuoso de la arquitectura a la que le dio un tono personal con la continua alternancia, de entrantes y salientes, de líneas cóncavas y convexas, de planos quebrados y abundantes, todo lo cual produce una sensación de extraordinario movimiento. Sus obras más importantes son el interior de San Juan de Letrán y la fachada de In Quattro Fontane (Roma)

                                              INTERIOR DE LA BASILICA DE SAN JUAN DE LETRAN

ARTE RENACENTISTA

                                                                               

INTRODUCCIÓN

Los Siglos XV y XVI (características del Renacimiento en el Quattrocento y el Cinquecento)


El Renacimiento expresa un movimiento y una época donde se retorna al estudio e imitación de la literatura, arte y filosofía de la antigüedad clásica griega y romana En pintura la renovación hacia lo clásico se realiza por medio del estudio del natural y de la aplicación de las leyes de la perspectiva, únicamente este arte recibe la influencia greco-romana a través de la arquitectura y la escultura.

Los cimientos de la renovación son varios, el eje más atrayente es el Humanismo orientado hacia el papel central del hombre y sus actos. La anatomía del hombre fue objeto de un minucioso estudio por parte de científicos, que dibujaban ordenadamente sus descubrimientos, involucrándose con frecuencia el rol del científico con el del pintor. Un pintor convenía de tener profundos conocimientos de teología, historia y mitología para estar autorizado en la representación de la historia que debería de narrar, el tornar a concentrarse en lo humano no es una dejadez de lo divino, por el contrario, lo divino es percibido desde la perspectiva humana para conferirlo de mayor significación: Dios trata de concebirse evidente a la razón humana, en vez de limitarlo a la impresión de la fe. Para una conveniente representación de la historia y de los personajes el pintor debería de laborar terceras ramas del saber: para los seres humanos, sé artículo anatomía y fisiología, también hubieron de estudiar mitología, lenguas clásicas y teología para representar dignamente, las escenas, los vestidos y los ambientes. La conquista de la tercera dimensión es fortalecida al colocar las figuras sobre un paisaje o en un interior, así tanto el propio volumen de la figura establece la profundidad, como también el hecho de moverse en un espacio aéreo a su alrededor.La mayor parte de la producción artística siguió consagrada al tópico religioso, con tres propósitos fundamentales: acrecentar la garantía de la predicación, lograr la emoción del fiel y conservar el dogma por medio de las imágenes. No obstante se introduce con ímpetu la pintura profana; por un lado germina el retrato representando a los mecenas de los pintores o a efigies representativas del saber, tanto moderno como antiguo; por otro la invasión del neoplatonismo florentino con representaciones paganas que se reajustan al cristianismo. La razón se recupera apoyándose en la reintroducción de la sabiduría clásica: los textos de la antigüedad que se atesoraban se traducen. Se inicia con vigor la pompa del retrato, se introducen mitologías, usualmente con trasfondo religioso e incluso misteriosos, es el caso de la obra de Botticelli, EL TRIUNFO DE LA PRIMAVERA.



Es esta etapa cuando los artistas principian en firmar sus obras, sus antecedentes biográficos son recogidos por los entendidos en arte, y sus teorías pictóricas están impregnadas de gran elaboración intelectual. El renacimiento se organiza en dos hemisferios, el Quattrocento o siglo XV y el Cinquecento o siglo XVI



En el Renacimiento, sus integrantes se autodenominan como hombres del Renacimiento, e inauguradores de una nueva Edad, la Edad Moderna, por oposición a la Edad Media , lazo de transición entre la grandiosidad de la Antigüedad clásica y su propia época.



Características del Renacimiento en los siglos XV y XVI:



El comienzo del Renacimiento Italiano suele datarse hacia el año 1420, el Renacimiento florentino es considerado por algunos historiadores del arte como un retomar la época de esplendor del Trecento temprano, en el cual se destacó Giotto por su naturalismo, donde según Vasari la renovación del arte se realiza por la imitación de la naturaleza que para él es lo mismo que el retorno de aquel (Giotto) a los maestros de la antigüedad.



La pintura del Renacimiento se data en Masaccio (1401-1428). La arquitectura en el florentino Filippo Brunelleschi (1377-1446) y la escultura en Donatello (1386-1466)

En la pintura renacentista Masaccio manifiesta el naturalismo de las representaciones figurativas y escénicas y el ilusionismo espacial logrado por la perspectiva central con que crea sus imágenes.



Otra característica del Renacimiento en Italia es el surgimiento del individualismo, el hombre se reconoce como individuo espiritual y como indicio de la creciente conciencia de si mismos que cobran los hombres del siglo XVI, toma reanimación, la pintura de retratos donde príncipes , nobles y miembros del alto clero se hacen retratar y también miembros de la burguesía como los comerciantes, los banqueros, artesanos y eruditos humanistas e inclusive los artistas que lograron ganarse el reconocimiento de la sociedad y gozar de sus privilegios.





Se pretendía especialmente en el siglo XV y XVI alcanzar la meta de convertirse en el hombre universal versado en muchas disciplinas, ideal que corresponde a algunos elegidos como Brunelleschi, Ghiberti, León Batista Alberti, Francesco Di Giorgio, Donato Bramante, Leonardo Da Vinci, Miguel Ángel Buonarroti y otros. En su mayoría también eran arquitectos.



La arquitectura no era considerada oficio autónomo ni poseía un sistema de formación propio, dado que quien era arquitecto anteriormente tendría formación artesanal en otra disciplina donde demostraría su destreza avanzando posteriormente en tareas de mayor envergadura donde se precisarían conocimientos en geometría y de teoría de las proporciones de la arquitectura antigua.



Los pintores y escultores ganarían su reconocimiento al no ser considerados artesanos normales, en la clasificación medieval de la pintura y la escultura , estas serían artes "mecánicas" no liberales. Condicionalmente las artes liberales se enseñaban en las universidades, entre ellas se destacan las disciplinas elementales como la gramática, lógica y retórica y las más elevadas como, aritmética, geometría, música y astronomía. La importancia de una formación elevada para los pintores y escultores la destacaría Ghiberti que sostenía que debían estudiar gramática , geometría, aritmética, astronomía, filosofía, historia, medicina, anatomía, perspectiva y "diseño teórico".

"La Puerta del Paraíso" del Baptisterio de Florencia realizada por Ghiberti marcará un punto de inflexión en la historia del arte.



Hasta entrado el siglo XV la palabra "artista" era utilizada para nombrar a los estudiantes de las artes liberales y no para un pintor y escultor. Pero los artistas como Ghiberti durante los siglos XV y XVI se emanciparon de la programática teológica dándole al concepto "artista" su significado moderno, el ser artista denota un ascenso de estatus social.



Anteriormente la iglesia había sido patrocinadora del arte pero en la Italia renacentista la mayoría de las imágenes serían encargadas por laicos. Los laicos y religiosos se comportaban como personas privadas o representantes de diversas corporaciones como los gremios responsables de las obras de la Catedral y del Baptisterio que encargaban mayormente obras como esculturas. Entre los corporativos se hallaban las hermandades destinadas a las tareas religiosas o caritativas que también se relacionaban con la política y la cultura. El Estado o Gobierno de las ciudades de la misma manera se mostraría como comitente.



Poco se diferenciarían los comitentes públicos de los privados cuando se habla de príncipes que actuaban como regentes del Estado, que no diferenciaban entre las funciones públicas y privadas. Los artistas recibían encargos de ellos y en oportunidades un empleo fijo como Leonardo Da Vinci en Milán. Este empleo tendría dos caras, dado que la mayor seguridad económica y aumento de prestigio estaba concatenada a obligaciones de presencia y dependencia en lo referido a la ejecución del trabajo.



Hay tres tipos de motivaciones para los encargos de pintura y escultura: la piedad, el prestigio y el placer, siendo esta la que ganaría importancia en el siglo XV y XVI las familias donde se destacara más esta característica será en las de formación Humanística, dado que entre los príncipes y representantes de las grandes familias, que actuaban como mecenas de las artes, los maestros humanistas, encontrarían sus alumnos. Así también en ocasiones los artistas recurrirían al consejo de los humanistas, en cuestiones de mitología clásica y de historia de la antigüedad para la realización de sus imágenes.



Los humanistas serían los primeros en difundir conocimientos de la tradición clásica por ser conocedores de literatura, también aquí los estímulos se remontarían al Trecento en el que la Antigüedad Clásica y su legado literario se reactivaría. Siendo Petrarca (1304-1374) transmisor del entusiasmo por la antigüedad a sus discípulos. Destacándose Coluccio Salutati que ocupara en 1375 el cargo de canciller en Florencia y se convertiría en el pionero de la Filología Clásica , entre sus alumnos se encuentran los humanistas de la próxima generación: Leonardo Bruni, Pietro Paolo Vergerio y Poggio Bracciolino. La percepción de la antigüedad humanística en los siglos XV y XVI se eleva al rango de ciencia en el plano teórico e ideológicamente en lo práctico se tematiza la relación entre el Renacimiento y la Antigüedad.



En lo que refiere a la arquitectura: el Papa Nicolás V sería uno de los más grandes constructores del Renacimiento y comitente de León Battista Alberti quien fue participe en los proyectos para reconstruir el Vaticano, el Papa consideraba que la pintura era capaz de hacer visible el poder divino, mostrando a las divinidades como hombres y mujeres reales y llenos de vida, mientras que la arquitectura presentaba obras para la eternidad donde las personalidades e instituciones gobernarían en el presente y los siglos venideros.



Con sus edificios recuperó un imperio desaparecido y lo pobló con los cristianos poniendo al frente al Papa como nuevo Pontifex Maximums reconstruyendo la Iglesia de San Pedro con un mayor esplendor y porte clásico dándole la apariencia de un "Monumento Perpetuo" creado por la mano de Dios siendo una prueba eterna de que a los papas le correspondía tanto el poder terrenal en Roma así como las llaves del cielo y de la tierra entregadas por Cristo a Pedro, primer Papa fundador de la Iglesia.



De este modo se recrea la Antigüedad como un imperio cristiano eterno. Siendo el Renacimiento un instrumento persuasivo, de la historia de Italia y utilizado como legitimador de una autoridad temporal y espiritual. Se puede limitar la arquitectura papal a los siglos XI y XVI donde alcanza el papado su máximo poderío y estuvo enmarcado en los movimientos de reforma religiosa decisivos. Donde el empeño de la iglesia fue fortalecer y propagar la fe en una comunidad en crecimiento especialmente, en el vulgo y la población laica no perteneciente a la nobleza.



El vulgo que se enriquecía crecía y emigraba a las ciudades cuando antes vivía en las tierras de los señores feudales o en pequeñas poblaciones de Italia, la Iglesia desidio prestarle una mayor atención y su arquitectura sería un medio de propaganda papal dirigida a los más receptivos y a los que serian su posterior apoyo. Los nuevos edificios y sus tipos se atribuían a las diversas instituciones creadas por el vulgo que eran destinatarias de la propaganda arquitectónica papal.



En el siglo XV personalidades importantes y familias pudientes construyeron sus residencias privadas, urbanas y de extramuros así como nuevos centros creados para la vida política y cultura cortesana de las ciudades, aplicando las formas arquitectónicas inspiradas en la Antigüedad. Desde el siglo XV al XVI también construyeron lejos de las ciudades, villas con jardines como nuevo centro de la cultura cortesana en Italia.

CHAU NEGRA QUERIDA....GRACIAS A LA VIDA QUE NOS DISTE CON TU ARTE

....y gracias por no haberte callado jamás ante las proclamas populares, tu voz siempre fue la voz del pueblo reclamando por sus libertades. Te conocí así como en la imagen, yo era una adolescente y vos una mujer joven, fuerte y atractiva de auténtico estilo nativo. Fue en el teatro LyF y recuerdo bien que eras sólo conocida por unos pocos, sin embargo para ir a verte pagué con útiles escolares para las escuelitas del norte argentino. Eras pobre aún y ya estabas con los pobres.
La dictadura te hizo partir, no soportaba que tu canto fuera el canto de las masas populares, que tu melodía fuera la de los necesitados de libertad y entonces...partiste hacia otros rumbos. Tu exilio te hizo más fuerte aún y el mundo conoció tu voz, tu canto y nuestro dolor. Gracias por eso Negra!! Gracias por repartir por el mundo las voces de los que aquí estábamos maniatados, gracias por desparramar nuestra prisión y gracias porque luego cuando los dinasaurios se extienguieron, por volver y unirte a los jóvenes que necesitaban tu experiencia y tu maestría. Gracias por tantas cosas Negra...nunca dejarás de formar parte de la historia de esta Argentina que a veces nos aleja a los hermanos que más necesitamos pero que ahora con la libertad que goza pudo tenerte algunos años.
Gracias Negra, por formar parte de mi historia como argentina...gracias por representarme en cada oración de tus canciones ante el mundo, gracias a la vida porque sos y siempre serás mi compatriota y mi querida Negra Sosa. Chau Negra...hasta luego si Dios quiere. Melan