ARTE BARROCO II

ESCULTURA

Italia

En el campo de la escultura, la aparación del barroco puede entenderse como el resultado de un proceso gradual en el que, partiendo de la expresión plástica de una agitación anímica se llega a una auténtica explosión en la que desaparece al contención, con lo que el verdadero tema que se esculpe no es ya la figura, sino un disperso y excitado movimiento. Prueba de ello es la importancia que adquieren los ropajes, que casi suplantan a las figuras, sus plegados se hacen cada vez más retorcidos y arremolinados.

ARTE BARROCO

En la sensibilidad barroca se aprecia una tendencia espectacular hacia lo decorativo,un abandono de las reglas de la estética clásica, una búsqueda de originalidad a toda costa, un predominio de la fantasía sobre la fiel representación de la realidad, una explosión minuciosa de la psicología humana y un gusto desmesurado por la ampulosidad.
 Tradicionalmente se denomina "Barroco", al período que transcurre entre 1600 a 1750. La especial actitud estilística que caractreriza al arte barroco alcanzó su momento de madurez en Italia hacia 1630 y se desarrolló en los cuarenta años siguientes. A partir de este momento se difundió por todas las naciones de Europa, adquiriendo particular importancia en España y en las ciuades hispanoamericanas.
 El arte barroco jugó un papel importante en los conflictos religiosos de este período. Frente a la tendencia protestante de construir los edificios para el culto de una manera sobria y sin decoración, la iglesia católica usará para sus fines litúrgicos la grandiosidad y la complejidad barroca.

ARQUITECTURA                       

El temperamento arquitectónico y urbanístico de Gian Lorenzo Bernini (1589-1680), cuya obra es un auténtico manifiesto del arte barroco se desplegó en la creación de grandes palacios, jardines, plazas, calles y fuentes, la mayoría en Roma. Sus trabajos más famosos son el pórtico y la columnata de la Plaza San Pedro del Vaticano y las Iglesias de San Andrés (Quirinale) y  Santo Tomás (Castelgandolfo)

IGLESIA SAN ANDRÉS QUIRINAL

                                                           CASTELGANDOLFO               

Francesco Borromini (1599-1667), fue un verdaderro virtuoso de la arquitectura a la que le dio un tono personal con la continua alternancia, de entrantes y salientes, de líneas cóncavas y convexas, de planos quebrados y abundantes, todo lo cual produce una sensación de extraordinario movimiento. Sus obras más importantes son el interior de San Juan de Letrán y la fachada de In Quattro Fontane (Roma)

                                              INTERIOR DE LA BASILICA DE SAN JUAN DE LETRAN

ARTE RENACENTISTA

                                                                               

INTRODUCCIÓN

Los Siglos XV y XVI (características del Renacimiento en el Quattrocento y el Cinquecento)


El Renacimiento expresa un movimiento y una época donde se retorna al estudio e imitación de la literatura, arte y filosofía de la antigüedad clásica griega y romana En pintura la renovación hacia lo clásico se realiza por medio del estudio del natural y de la aplicación de las leyes de la perspectiva, únicamente este arte recibe la influencia greco-romana a través de la arquitectura y la escultura.

Los cimientos de la renovación son varios, el eje más atrayente es el Humanismo orientado hacia el papel central del hombre y sus actos. La anatomía del hombre fue objeto de un minucioso estudio por parte de científicos, que dibujaban ordenadamente sus descubrimientos, involucrándose con frecuencia el rol del científico con el del pintor. Un pintor convenía de tener profundos conocimientos de teología, historia y mitología para estar autorizado en la representación de la historia que debería de narrar, el tornar a concentrarse en lo humano no es una dejadez de lo divino, por el contrario, lo divino es percibido desde la perspectiva humana para conferirlo de mayor significación: Dios trata de concebirse evidente a la razón humana, en vez de limitarlo a la impresión de la fe. Para una conveniente representación de la historia y de los personajes el pintor debería de laborar terceras ramas del saber: para los seres humanos, sé artículo anatomía y fisiología, también hubieron de estudiar mitología, lenguas clásicas y teología para representar dignamente, las escenas, los vestidos y los ambientes. La conquista de la tercera dimensión es fortalecida al colocar las figuras sobre un paisaje o en un interior, así tanto el propio volumen de la figura establece la profundidad, como también el hecho de moverse en un espacio aéreo a su alrededor.La mayor parte de la producción artística siguió consagrada al tópico religioso, con tres propósitos fundamentales: acrecentar la garantía de la predicación, lograr la emoción del fiel y conservar el dogma por medio de las imágenes. No obstante se introduce con ímpetu la pintura profana; por un lado germina el retrato representando a los mecenas de los pintores o a efigies representativas del saber, tanto moderno como antiguo; por otro la invasión del neoplatonismo florentino con representaciones paganas que se reajustan al cristianismo. La razón se recupera apoyándose en la reintroducción de la sabiduría clásica: los textos de la antigüedad que se atesoraban se traducen. Se inicia con vigor la pompa del retrato, se introducen mitologías, usualmente con trasfondo religioso e incluso misteriosos, es el caso de la obra de Botticelli, EL TRIUNFO DE LA PRIMAVERA.



Es esta etapa cuando los artistas principian en firmar sus obras, sus antecedentes biográficos son recogidos por los entendidos en arte, y sus teorías pictóricas están impregnadas de gran elaboración intelectual. El renacimiento se organiza en dos hemisferios, el Quattrocento o siglo XV y el Cinquecento o siglo XVI



En el Renacimiento, sus integrantes se autodenominan como hombres del Renacimiento, e inauguradores de una nueva Edad, la Edad Moderna, por oposición a la Edad Media , lazo de transición entre la grandiosidad de la Antigüedad clásica y su propia época.



Características del Renacimiento en los siglos XV y XVI:



El comienzo del Renacimiento Italiano suele datarse hacia el año 1420, el Renacimiento florentino es considerado por algunos historiadores del arte como un retomar la época de esplendor del Trecento temprano, en el cual se destacó Giotto por su naturalismo, donde según Vasari la renovación del arte se realiza por la imitación de la naturaleza que para él es lo mismo que el retorno de aquel (Giotto) a los maestros de la antigüedad.



La pintura del Renacimiento se data en Masaccio (1401-1428). La arquitectura en el florentino Filippo Brunelleschi (1377-1446) y la escultura en Donatello (1386-1466)

En la pintura renacentista Masaccio manifiesta el naturalismo de las representaciones figurativas y escénicas y el ilusionismo espacial logrado por la perspectiva central con que crea sus imágenes.



Otra característica del Renacimiento en Italia es el surgimiento del individualismo, el hombre se reconoce como individuo espiritual y como indicio de la creciente conciencia de si mismos que cobran los hombres del siglo XVI, toma reanimación, la pintura de retratos donde príncipes , nobles y miembros del alto clero se hacen retratar y también miembros de la burguesía como los comerciantes, los banqueros, artesanos y eruditos humanistas e inclusive los artistas que lograron ganarse el reconocimiento de la sociedad y gozar de sus privilegios.





Se pretendía especialmente en el siglo XV y XVI alcanzar la meta de convertirse en el hombre universal versado en muchas disciplinas, ideal que corresponde a algunos elegidos como Brunelleschi, Ghiberti, León Batista Alberti, Francesco Di Giorgio, Donato Bramante, Leonardo Da Vinci, Miguel Ángel Buonarroti y otros. En su mayoría también eran arquitectos.



La arquitectura no era considerada oficio autónomo ni poseía un sistema de formación propio, dado que quien era arquitecto anteriormente tendría formación artesanal en otra disciplina donde demostraría su destreza avanzando posteriormente en tareas de mayor envergadura donde se precisarían conocimientos en geometría y de teoría de las proporciones de la arquitectura antigua.



Los pintores y escultores ganarían su reconocimiento al no ser considerados artesanos normales, en la clasificación medieval de la pintura y la escultura , estas serían artes "mecánicas" no liberales. Condicionalmente las artes liberales se enseñaban en las universidades, entre ellas se destacan las disciplinas elementales como la gramática, lógica y retórica y las más elevadas como, aritmética, geometría, música y astronomía. La importancia de una formación elevada para los pintores y escultores la destacaría Ghiberti que sostenía que debían estudiar gramática , geometría, aritmética, astronomía, filosofía, historia, medicina, anatomía, perspectiva y "diseño teórico".

"La Puerta del Paraíso" del Baptisterio de Florencia realizada por Ghiberti marcará un punto de inflexión en la historia del arte.



Hasta entrado el siglo XV la palabra "artista" era utilizada para nombrar a los estudiantes de las artes liberales y no para un pintor y escultor. Pero los artistas como Ghiberti durante los siglos XV y XVI se emanciparon de la programática teológica dándole al concepto "artista" su significado moderno, el ser artista denota un ascenso de estatus social.



Anteriormente la iglesia había sido patrocinadora del arte pero en la Italia renacentista la mayoría de las imágenes serían encargadas por laicos. Los laicos y religiosos se comportaban como personas privadas o representantes de diversas corporaciones como los gremios responsables de las obras de la Catedral y del Baptisterio que encargaban mayormente obras como esculturas. Entre los corporativos se hallaban las hermandades destinadas a las tareas religiosas o caritativas que también se relacionaban con la política y la cultura. El Estado o Gobierno de las ciudades de la misma manera se mostraría como comitente.



Poco se diferenciarían los comitentes públicos de los privados cuando se habla de príncipes que actuaban como regentes del Estado, que no diferenciaban entre las funciones públicas y privadas. Los artistas recibían encargos de ellos y en oportunidades un empleo fijo como Leonardo Da Vinci en Milán. Este empleo tendría dos caras, dado que la mayor seguridad económica y aumento de prestigio estaba concatenada a obligaciones de presencia y dependencia en lo referido a la ejecución del trabajo.



Hay tres tipos de motivaciones para los encargos de pintura y escultura: la piedad, el prestigio y el placer, siendo esta la que ganaría importancia en el siglo XV y XVI las familias donde se destacara más esta característica será en las de formación Humanística, dado que entre los príncipes y representantes de las grandes familias, que actuaban como mecenas de las artes, los maestros humanistas, encontrarían sus alumnos. Así también en ocasiones los artistas recurrirían al consejo de los humanistas, en cuestiones de mitología clásica y de historia de la antigüedad para la realización de sus imágenes.



Los humanistas serían los primeros en difundir conocimientos de la tradición clásica por ser conocedores de literatura, también aquí los estímulos se remontarían al Trecento en el que la Antigüedad Clásica y su legado literario se reactivaría. Siendo Petrarca (1304-1374) transmisor del entusiasmo por la antigüedad a sus discípulos. Destacándose Coluccio Salutati que ocupara en 1375 el cargo de canciller en Florencia y se convertiría en el pionero de la Filología Clásica , entre sus alumnos se encuentran los humanistas de la próxima generación: Leonardo Bruni, Pietro Paolo Vergerio y Poggio Bracciolino. La percepción de la antigüedad humanística en los siglos XV y XVI se eleva al rango de ciencia en el plano teórico e ideológicamente en lo práctico se tematiza la relación entre el Renacimiento y la Antigüedad.



En lo que refiere a la arquitectura: el Papa Nicolás V sería uno de los más grandes constructores del Renacimiento y comitente de León Battista Alberti quien fue participe en los proyectos para reconstruir el Vaticano, el Papa consideraba que la pintura era capaz de hacer visible el poder divino, mostrando a las divinidades como hombres y mujeres reales y llenos de vida, mientras que la arquitectura presentaba obras para la eternidad donde las personalidades e instituciones gobernarían en el presente y los siglos venideros.



Con sus edificios recuperó un imperio desaparecido y lo pobló con los cristianos poniendo al frente al Papa como nuevo Pontifex Maximums reconstruyendo la Iglesia de San Pedro con un mayor esplendor y porte clásico dándole la apariencia de un "Monumento Perpetuo" creado por la mano de Dios siendo una prueba eterna de que a los papas le correspondía tanto el poder terrenal en Roma así como las llaves del cielo y de la tierra entregadas por Cristo a Pedro, primer Papa fundador de la Iglesia.



De este modo se recrea la Antigüedad como un imperio cristiano eterno. Siendo el Renacimiento un instrumento persuasivo, de la historia de Italia y utilizado como legitimador de una autoridad temporal y espiritual. Se puede limitar la arquitectura papal a los siglos XI y XVI donde alcanza el papado su máximo poderío y estuvo enmarcado en los movimientos de reforma religiosa decisivos. Donde el empeño de la iglesia fue fortalecer y propagar la fe en una comunidad en crecimiento especialmente, en el vulgo y la población laica no perteneciente a la nobleza.



El vulgo que se enriquecía crecía y emigraba a las ciudades cuando antes vivía en las tierras de los señores feudales o en pequeñas poblaciones de Italia, la Iglesia desidio prestarle una mayor atención y su arquitectura sería un medio de propaganda papal dirigida a los más receptivos y a los que serian su posterior apoyo. Los nuevos edificios y sus tipos se atribuían a las diversas instituciones creadas por el vulgo que eran destinatarias de la propaganda arquitectónica papal.



En el siglo XV personalidades importantes y familias pudientes construyeron sus residencias privadas, urbanas y de extramuros así como nuevos centros creados para la vida política y cultura cortesana de las ciudades, aplicando las formas arquitectónicas inspiradas en la Antigüedad. Desde el siglo XV al XVI también construyeron lejos de las ciudades, villas con jardines como nuevo centro de la cultura cortesana en Italia.

CHAU NEGRA QUERIDA....GRACIAS A LA VIDA QUE NOS DISTE CON TU ARTE

....y gracias por no haberte callado jamás ante las proclamas populares, tu voz siempre fue la voz del pueblo reclamando por sus libertades. Te conocí así como en la imagen, yo era una adolescente y vos una mujer joven, fuerte y atractiva de auténtico estilo nativo. Fue en el teatro LyF y recuerdo bien que eras sólo conocida por unos pocos, sin embargo para ir a verte pagué con útiles escolares para las escuelitas del norte argentino. Eras pobre aún y ya estabas con los pobres.
La dictadura te hizo partir, no soportaba que tu canto fuera el canto de las masas populares, que tu melodía fuera la de los necesitados de libertad y entonces...partiste hacia otros rumbos. Tu exilio te hizo más fuerte aún y el mundo conoció tu voz, tu canto y nuestro dolor. Gracias por eso Negra!! Gracias por repartir por el mundo las voces de los que aquí estábamos maniatados, gracias por desparramar nuestra prisión y gracias porque luego cuando los dinasaurios se extienguieron, por volver y unirte a los jóvenes que necesitaban tu experiencia y tu maestría. Gracias por tantas cosas Negra...nunca dejarás de formar parte de la historia de esta Argentina que a veces nos aleja a los hermanos que más necesitamos pero que ahora con la libertad que goza pudo tenerte algunos años.
Gracias Negra, por formar parte de mi historia como argentina...gracias por representarme en cada oración de tus canciones ante el mundo, gracias a la vida porque sos y siempre serás mi compatriota y mi querida Negra Sosa. Chau Negra...hasta luego si Dios quiere. Melan

ARTE DEL EXTREMO ORIENTE

JAPÓN

 La historia del arte japonés se puede dividir en los períodos correspondientes a cada una de las etapas dominantes de la historia del país, pues en cada una de ellas se produce un cirto desarrollo original del arte.

EL PERÍODO ASUKA

Prescindiendo de etapas más primitivas, la primera que tiene alguna importancia es la de Asuka (siglos VI y VII) durnate la cual se produce la entrada del budismo en el Japón, que, al igual que sucedió en China, produjo un gran impacto en el campo artístico.
 El edificio más importante de este período es la Pagoda de Horyu-ji. Tras una etapa en la que se importan estatuas de Buda de China y Corea, los japoneses empiezan a labrar las suyas propias, como el Kannon de Kudara. Se conservan también obras pictóricas de gran originiladidad como el Relicario de Tamamushi.
  El momento de máximo apogeo del arte budista japonés es es del período Nara (siglos VII y VIII), durante el cual se levantan varias pagodas como el Shoso-in, se desarrolla la estatuaria del Buda (Buda del Tuchibana) y se decoran con pinturas murales de tema profano las pagodas de Horyu-ji y Shoso-in. Por primera vez aparecen los makimonos, historias pintadas en largos rollos de papel o seda, con el texto explicativo de las imágenes.

EL PERÍODO HEIAN

Durante el período Heian (siglos VIII a XII), la cultura china ha sido ya totalmente asimilada en el Japón. . Los templos se convirtieron ahora en santuarios de meditación (Pagoda de Muro-ji) y se erigen fuera de la ciudad, hasta que vuelven a ella para convertirse en centros de renunión mundada (monasterio de Fénix).
Las representaciones escultóricas más comunes siguen siendo las figuras de Buda, a las que se añaden ahora las de algunos dioses sintoístas. Las pinturas religiosas (murales de las grandes pagodas) ve limitada su espontaneidad por los cánones religiosos que imponen temas y estilo; en cambio, la pintura profana destinada al interior de las casas, se libera de la influencia china y se hace más íntima, adquiere mayor viveza de colorido. Junto a los makimonos destacan unas pinturas carcaturescas que satirizan a la alta aristocracia representándola mediante figuras de animales.
Dentro del campo de las artes menores, también hay excelentes muestras del arte japonés del período Heian en las cajitas de laca para guardar cosméticos, en los marcos de los espejos y en los biombos.

 Con la introducción de la filosofía zen, durante el período kamakura (siglos XII a XIV) se produce una intensa transformación artística. La escultura y la pintura se hacen más realistas y los artistas son cada vez más conocidos individualmente. La arquitectura se hace más sencilla y funcional.

PERÍODO MUROMACHI

Durante el período Muromachi (siglos XIV a XVI), se impone en pìntura la técnica de diluir los colores en agua para hacerlos más difuminados; esto obliga a los artistas a dotar de gran precisión sus pinceladas, pues el rápido secado impide la rectificación. El pintor más célebre de la époc es Sesshu, que destaca como autor de retratos y paisajes.
La arquitectua de este período es de una gran elegancia y tiene ya más componentes japoneses que componentes debidos a la influencia china. Esto es evidente sobre todo en las grandes mansiones, señoriales (Pabellón de Oro y Pabellón de Plata, ambos en Kyoto)

 En el siglo XVI  y en el siglo XVII (Período Momoyama), el sentido pictórico se hace grandioso. Hay tres escuelas importantes de pintura: las de Shino, Oribe y Karatsu. Se construyen grandes palacios, como el de Fushimi y castillos como el de Osaka.

PERÍODO EDO

Finalmente, el período Edo (siglosXVII a XIX), que coincide con el momento de aislamiento de toda influencia exterior, asiste al desarrollo de un arte de gran altura, con artistas destacados en pintura (Sotatzu, Ogata, Korin, Suzuki Haronobu. Toshusai Sakaku, R. Hokusai y Ando Hiroshige) y excelentes edificios (Mausuleo de Toshogu y Palacio de Katsura en Kyoto). Típicos de ésta época son los chashitusu o casas de té

CASTILLO DE OSAKA

Melan

ARTE GÓTICO

INTERIOR DE LA CATEDRAL DE SALISBURY

CATEDRAL DE SALISBURY (SIGLO XIII)

El nombre de "gótico" lo introdujo el historiador de arte italiano Giorgio Vasari para designar, sin matices, todo el arte de la Edad Media, o sea el arte compendido entre la Antigüedad grecorromana y el Renacimiento. Para Vasari "gótico" era sinónimo de "bárbaro", pues creía erróneamente que el origen de este arte era germánico y lo atribuía a los godos.

Esta actitud de Vasari se mantuvo durante todo el Renacimiento y el Neoclasicismo y solamente se produjo una reacción contra ellla a principios del siglo XIX, en la época romántica. Fue entonces cuando se superó el prejuicio que veía en el arte medieval una manifestación sin valor.

El gótico surggió en Francias, en las postrimerías del siglo XI. Las primeras innovaciones artiqutectónicas que marca la aparación de este estilo pueden situarse en la región central francesa (Ile de France). El siglo XII puede considerarse como una fase de transición; es el siglo XIII el que ve la eclosión del gótico puro, pues es entonces cuando se construyen las grandes iglesias de este estilo.

ARQUITECTURA

En Borgoña, durante los siglos XI y XII, aparecen las formas iniciales del gótico: arco apuntado, bóveda de crucería, contrafuertes, coro rodeado de capillas, muros articulados y facahada con dos torres, todos ellos dináminacamente integrados en una unidad estructural y no simplemente superpuestos. Esta unidad se logra concentrando el peso de la cubierta sosbre unas pocas líneas de fuerza y no sobre todo el muro, lo que da la sensación de elegancia y esbeltez a los edificios góticos. CATEDRAL DE NOTRE DAME O CHARTRES

Los trs edificios clásicos del gótico francés son las catedrales de Chartres, Reims y Amiens . De la misma época son las catedrales de Boyrges, Le Mans, Poitiers y Albi (siglo XIII).

Ya en el siglo XIV, la iglesia de la Trinité (Vendóme) utiliza el lenguage del gótico flamígero sobre una planta del gótico tradicional.

Inglaterra es el primer país que recibe el influjo arqutectónico francés. La primerea consstrución inglesa de tipo gótico fue el coro de la catedral de Canterbury (siglo XII). Los ejemplos más destacados son la catedral de Salisbury (siglo XIII), cuya fachada occidental es un muro sin otra finalidad que la decorativa, la catedral de Lincoln y la catedral de Wells (siglos XIII y XIV.

El perpendicular style inglés da preferencia a las formas perpendiculares, enmarcadas por serie de arcos , como la catedral de Gloucester y en las Capillas del King's College de Cambridege y de Enrique VII (en la Abadía de Westminster, Londres)

Durante el siglo XV se construyen las últimas grandes catedrales góticas. La de Sevilla, por ejemplo de cinco naves, es una de las más grandes de la cristiandad. Ya en el siglo XVI, se erigen la de Salamanca y Segovia. También se erige un templo de estilo gótico en el centro mismo de la mezquita de Córdoba.

INTERIOR DE LA CATEDRAL DE SEVILLA

CATEDRAL DE SEVILLA

Fuente: Enciclopedia Temática Océano

Melan

PINTURA ROMANA

PINTURA ROMANA: GRACIA Y NATURALIDAD HACE 2000 AÑOS.

A pesar de su antigüedad, más de dos mil años, la pintura romana, descendiente y heredera de la griega, poseía una técnica depurada, (mejor que la posterior medieval) y representaba todo tipo de temas con una maestría que, aún hoy, nos maravilla.
Los artistas de las ciudades romanas pintaban sobre las paredes de las habitaciones de las casas mediante la técnica del fresco. A veces hasta siete capas sustentaban las pinturas y se usaba la cal y el jabón de cera.
Los colores son muy vivos y variados y muchas veces se conseguía plasmar la sensación de tridimensionalidad, la perspectiva, perdida más tarde y redescubierta en el Renacimiento (más de 1400 años después).
La conservación de las pinturas, por razones obvias, es muy complicada, pero hay varios ejemplos donde ha habido suerte: son los casos de las ciudades sepultadas por el Vesubio en la erupción del año 79, Pompeya, Herculano y Stabia, cuyas pinturas parietales se han conservado soberbiamente y de la Domus Aúrea de Nerón en Roma, enterrada para construir unas termas encima y que al excavarla arqueológicamente ha revelado sus frescos maravillosos.
Los artistas romanos tocaban todos los temas, escenas cotidianas, mitológicas, paisajes, bélicas, eróticas, cómicas, etc. Muchas veces las pinturas eran simulaciones de mármoles, de arquitecturas, de cuadros colgados o de jardines imaginarios.
La liberalidad de las costumbres en el imperio romano posibilitó la abundancia del desnudo, tanto femenino como masculino. Es más, nos encontramos con escenas de explícito contenido sexual, sin disimulos. Esto sucede en los lupanares de Pompeya, donde se ilustraban las posturas "especialidad" de las señoritas, se marcaban las direcciones con penes y se decoraban las estancias con escenas sexuales de dioses y diosas practicando sodomía, felación, masturbación, etc. Los romanos alcanzaron un grado de liberación en todas las áreas extrañas para épocas posteriores.
Efectivamente la civilización romana alcanzó unas cotas de riqueza y nivel de vida altísimos, tenían agua corriente y termas en las casas, hoteles por horas, circunvalaciones, lavanderías, bares, calles empedradas, etc. La mujer gozaba de gran consideración y disfrutaba de refinados lujos todo lo cual se trasunta en sus pinturas: mujeres bien vestidas, enjoyadas, con peinados muy elaborados, etc.
Lógicamente que todo esta simbología social tiene que ver con las clases altas del Imperio, donde todo estaba permitido a quien perteneciera a éste. No se puede decir lo mismo de las clases bajas, pertenecientes a los pueblos sojuzgados por Roma, quien dominaba y exigía enorme volumen de impuestos a sus colonias, las cuales vivían la mayoría en la más concreta pobreza y falta de oportunidades de poder dejar su herencia artística que seguramente también la hubiesen tenido de no tener que soportar el yugo romano y vivir una vida de supervivencia extrema. (No demasiado diferente a lo que viven hoy día algunas poblaciones de los llamados países en vías de desarrollo en comparación a los autoproclamados "desarrollados")
No por nada el Imperío Romano cayó. Su autoritarismo y su sojuzgamiento llegó al límite que pueda soportar un pueblo y fue con la llegada del Cristianismo que todo esto se modificó en beneficio de los pueblos de la humanidad toda.




FRESCO DE LA PRIMAVERA. STABIA.


(Museo de Nápoles).



Maravillosa escena llena de elegancia y sensibilidad. No sabemos si es Flora, la diosa de la primavera o si es la señora de la casa que recoge flores para hacer un ramo. Ella pasea por el jardín, cubierta por una túnica de color, andando mientras recoge las florecillas silvestres, flexionando una pierna, levantando un pie y mostrando su elegante calzado.
Es de destacar la gran delicadeza con que se trata su precioso peinado, recogido con diadema, la mano que coge las flores, el manto que cuelga de sus brazos y la postura llena de estilo de la dama al andar. La influencia de la estética griega resulta evidente en esta imagen.
Como curiosidad, esta escena inspiró al pintor renacentista Sandro Botticelli para componer su cuadro "La Primavera" en el siglo XV.


















LA POETISA. CASA DE LIBANIO. POMPEYA. (Museo de Nápoles).







Resulta muy curiosa la contemplación de esta chica escritora en el momento de máxima concentración mientras espera la inspiración de las musas. Nos mira sin vernos, absorta en sus pensamientos mientras lleva el cálamo a sus labios y sostiene las tablillas para escribir. Cuidadísimo su atuendo y complementos. Lleva redecilla sobre un peinado de rizos caracoleados, túnica y manto y pendientes de oro con forma de aro.
La pintura resulta magnífica por la gracia de la pose, el delicado cromatismo y la precisión del dibujo.







EL JARDÍN. CASA DE LIVIA. MONTE PALATINO. ROMA


Explosión de naturaleza representada en la pared de una habitación intentando crear la ilusión de apertura hacia el jardín. Se consigue gran realismo y detallismo, es un jardín espléndido: naranjos, pinos, palmeras, flores, frutos, pájaros y vallas de madera para delimitarlo.
Es como si la sala no tuviese pared y una naturaleza exuberante y primaveral se mostrase en todo su esplendor, colándose en la casa. Incluso existe una cierta ilusión perspéctica.
Livia, la esposa de Augusto y dueña de esta casa, tenía desde luego buen gusto, pero no era la única ya que resulta muy frecuente encontrar domus romanas con gran cantidad de salas que tienen o han tenido decoración pictórica de frescos y de mosaicos.

EL LUPANAR DE POMPEYA

Curiosas escenas eróticas representadas en uno de los 35 lupanares que existían en Pompeya. Son diversas posturas sexuales que los clientes podían pedir o bien ilustraciones ambientativas para animar a los visitantes.
En las ciudades romanas tanto varones como mujeres actuaban de una forma deshinibida en las relaciones sexuales, incluso no estaba mal vista la infidelidad de personas casadas y las casas de citas eran muy visitadas por gente de todas las edades y de ambos sexos. Estos frescos resultan un valioso documento histórico y arqueológico sobre los aspectos cotidianos de una pequeña ciudad de provincias en el siglo I.

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