miércoles, 10 de noviembre de 2010

ARTE CONTEMPORÁNEO - RENÉ MAGRITTE

N.de R.

Desde hoy he decidido dar un giro de 180 grados a este blog. He tomado la decisión de desestructurarlo, desistematizarlo. He notado que no lo seguía porque estaba resultándome no todo lo agradable que fue al principio seguir la historia del arte desde su punto de vista estrictamente cronológico.
Por lo tanto, pensé, el arte es movimiento, es color, es forma, es pensamiento y es vida, concluyentemente debe ser sorpresivo y sorprendente, debe salir del alma del que lo realiza y llegar al alma del que lo observa, ambos son dos caras de una misma moneda.
Es así que desde ahora, publicaré libremente la obra de aquellos artistas que más han llegado a impresionarme o sensibilizarme, o bien que de la misma manera pero acabo de conocer,en esta incesante búsqueda del conocimiento y del arte que atacan mi alma a diario.
Pido disculpas a mis seguidores, sobre todo a aquellos a quienes este blog les ha servido para sus estudios que imagino han sido quizás muchos adolescentes, pero no creo equivocarme si les digo que desde hoy, buscarán mi blog, no por la tarea que les hayan enviado recopilar, sino porque al fin el arte terminará gustándole a ustedes por sí mismos y pensando en esto y en ustedes específicamente es que trataré de presentarles aquí a lo mejor de arte no sólo contemporáneo sino universal.

Notarán asimismo que he modernizado la plantilla del blog, lo cual me ha costado mucho porque soy adepta a mantener todo aquello que me ha hecho feliz y no lo soy a los cambios, pero en este caso lo ameritaba sobre todo por la longitud de las nuevas plantillas que ofrece blogger que ayudan a publicar imágenes de mayor tamaño.

En último término quiero manifestarles que comencé con René Magritte, un pintor belga del principios del siglo pasado,surrealista devenido en sus últimos años al realismo mágico, que conocí hace poco y me impactó por lo que entrego hoy algunas de sus obras a ustedes para que las disfruten como yo.
Espero sepan comprenderme, y también sigan o lo hagan más aún, disfrutando de este Mirararte que creé hace ya un tiempo con mucho amor, el mismo que seguiré dando en cada entrega.

Melan.







































































































































Biografía de René Magritte



René François Ghislain Magritte (21 de noviembre de 1898 - 16 de agosto de 1967) fue un pintor surrealista belga.



René Magritte dotó al surrealismo de una carga conceptual basada en el juego de imágenes ambiguas y su significado denotado a través de palabras poniendo en cuestión la relación entre un objeto pintado y el real.










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Los Inicios de René Magritte






René Magritte realiza sus primeros cursos de pintura en Châtelet. En 1915 René Magritte comienza a hacer sus primeras obras en la línea del impresionismo. Entre 1916 y 1918 René Magritte estudia en la Academia de Bellas Artes de Bruselas. René Magritte expone por primera vez en el Centro de Arte de Bruselas en 1920 junto a Pierre-Louis Flouquet, con quien comparte un estudio. Tras el servicio militar René Magritte trabaja temporalmente como diseñador en una fábrica de papel. En 1923 René Magritte participa con Lissitzky, Moholy-Nagy, Feininger y Paul Joostens en una exposición en el Círculo Real Artístico.










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Su obra del periodo 1920-1924, por su tratamiento de los temas de la vida moderna, su color brillante y sus investigaciones sobre las relaciones de la forma tridimensional con la superficie plana del cuadro, muestran las influencias del cubismo, del orfismo, del futurismo y del purismo.






En 1922 René Magritte ve una reproducción de La canción de amor de De Chirico, que le impresiona profundamente, y a partir de 1926 se independiza de las influencias anteriores y basa su estilo en el de De Chirico.






En obras como La túnica de la aventura (1926) René Magritte expresa su sentido del misterio del mundo por medio de la irracional yuxtaposición de objetos en una atmósfera silenciosa.














En El asesino amenazado (1926), el espacio perspectivo deriva de De Chirico y de los decorados de los primeros melodramas cinematográficos. En este mismo año René Magritte se une a otros músicos, escritores y artistas belgas, en un grupo informal comparable al de los surrealistas de París.






En 1927 René Magritte se establece en las cercanías de París y participa, durante los tres años siguientes, en las actividades del grupo surrealista (sobre todo, se relaciona con Éluard, Breton, Arp, Joan Miró y SalvadorDalí). René Magritte aporta al Surrealismo parisino un resurgimiento del ilusionismo. A diferencia de Salvador Dalí, René Magritte no usa la pintura para expresar sus obsesiones privadas o sus fantasías, sino que se expresa con agudeza, ironía y un espíritu de debate.






En 1928 René Magritte participa en la exposición surrealista en la galería Goemans de París.






En 1930 René Magritte regresa a Bruselas huyendo del ambiente polémico parisino, y allí pasa tranquilo el resto de sus días.










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El Realismo mágico de René Magritte


A partir de 1926 el estilo de René Magritte, también llamado "realismo mágico", cambia poco; entre 1928 y 1930 René Magritte investiga las ambiguas relaciones entre palabras, imágenes y los objetos que éstas denotan. En La perfidia de las imágenes (1928-1929) René Magritte retrata meticulosamente una pipa, y debajo, con igual precisión, pone la leyenda " Ceci n'est pas une pipe "(Esto no es una pipa), cuestionando la realidad pictórica. El espejo falso (1928) explora la misma idea: el ojo, como un falso espejo, reflejando las nubes blancas y el cielo azul pintados de forma realista; en este cuadro introduce el tema del paisaje ilusionista, interpretado en clave pictórica, alejado de toda intención naturalista. René Magritte explora en toda su obra el problema del espacio real frente a la ilusión espacial, que es el trasunto de la pintura misma.


















René Magritte hace muchas variaciones sobre este tema, quizá la más clara de todas sea Los paseos de Euclides (1955), donde René Magritte muestra un caballete con un cuadro frente a una ventana, a través de la cual se ve un paisaje; la escena pintada corresponde exactamente al fragmento de paisaje sobre el que se sitúa el cuadro, llevando el problema de la pintura, como confrontación naturaleza-ilusión, a la cuarta dimensión.






En 1933 René Magritte hace una exposición individual en el Palacio de Bellas Artes de Bruselas y en 1936 su primera individual en Estados Unidos en la galería Julien Levy de Nueva York.






En ese mismo año su obra está presente en Arte fantástico, Dadá, Surrealismo en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.






En los años cuarenta la obra de René Magritte adopta una paleta y una pincelada impresionistas y en 1947-1948 desarrolla sus cuadros llamados fauvistas.






La respuesta de la crítica es, en general, hostil hacia estas obras, y René Magritte vuelve a su acostumbrado estilo. Son característicos de los años cincuenta los cuadros en los que tanto figuras interiores como paisajes y objetos aparecen convertidos en roca.






"Las formas básicas y los temas, sin embargo, continúan la fantasía del lugar común durante los años sesenta. Una escena urbana nocturna a la que se le superpone un cielo azul con nubes de atardecer flotando; carreras de jockey en coches y por habitaciones; o una elegante amazona paseando por un bosque mientras es segmentada por los árboles. Pero el mundo de René Magritte contiene siempre al misterioso hombre invisible con bombín y abrigo negro solo o en grupos, como en Golconda (1953), donde una multitud de ellos desciende sobre la ciudad" (Arnason).






A lo largo de los años cuarenta René Magritte expone asiduamente en la galería Dietrich de Bruselas.






En los dos decenios sucesivos René Magritte recibe numerosos encargos para la ejecución de pinturas murales en Bélgica.






Desde 1953 René Magritte expone frecuentemente en la galería Alexander Iolas de Nueva York, París y Ginebra. Se organizan retrospectivas sobre su obra en 1954 en el Palacio de Bellas Artes de Bruselas, y en 1960 en el Museo de Arte Contemporáneo de Dallas y en el Museo de Bellas Artes de Houston.










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René Magritte viaja por primera vez a Estados Unidos en 1965, con motivo de una retrospectiva que el Museo de Arte Moderno de Nueva York le dedica.






Durante el año siguiente René Magritte visita Israel. Allí visita a su célebre amigo Iván González Bustelo.










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Muerte de René Magritte

René Magritte muere en Bruselas el 15 de agosto de 1967, pocos días después de la inauguración de una importante muestra de su obra en el Museo Boymans Van Beuningen de Róterdam.

Fuente. artespana.rosdomeins.com

Melan

domingo, 11 de julio de 2010

EL NEOCLASICISMO

MUSEO DEL PRADO

A mediados del siglo XVIII el estilo neoclásico destruyó las extravagantes formas a las que había llegado el Rococó, restaurando la sencillez de las formas antiguas, tanto en las masas arquitectónicas como en la decoración. Los teóricos del arte de este período definieron las nuevas tendencias neoclásicas afirmando que la belleza ideal no existe en la naturaleza, sino que corresponde al hombre crearla con la fuerza de su espíritu artístico; ahora bien, solamente los griegos alcanzaron con su arte esa plenitud por lo que el artista moderno no tiene más remedio que imitarlos.


ARQUITECTURA.
       PLACE DE LA CONCORDE

 En Francia la arquitectura neoclásica comprende dos etapas, el estilo Luis XVI y el estilo imperio que se distinguen más en el aspecto de la decoración de interiores que en la técnica constructiva.
  El arquitecto más célebre de tiempos de Luis XVI fue Jacques-Ange Gabriel (1698-1782), que restauró la columnata del Louvre, construyó el teatro de la Ópera y realizó el conjunto arquitectónico-urbanístico de la Place de la Concorde. Otro gran representante del estilo Luis XVI es J. Germain Soufflot (1713-1780), autor del Panteón y de la Escuela de Derecho (en Paris) y del teatro de Lyon.
 La obra más representativa del estilo Imperio es la iglesia de la Madelaine, hecha siguiendo los planos de Barthelemy Vignon (1762-1828). Durante la época napoleónica se resucitó la moda romana de erigir columnas conmemorativas (como la de Austerlitz) y arcos de triunfo, como el de Carroussel (debido a Charles Percier y P.F. Fontaine) y el de la Place de l' Etoile (obra de Chalgrin).
 En España la obra de Juan de Villanueva es plenamente neoclásica. Su obra maestra es el Museo de Ciencias Naturales (actualmente Museo del Prado).
 El triunfo del neoclasicismo se extendió también a América: México (catedral, Colegio de Minería), Guatemala (la parate nueva de la ciudad), Cuba,( numerosas villas de recreo, particularmente en la zona de Trinidad.), Colombia (catedral de Bogotá), Chile (Casa de la Moneda y fachada de la Catedral de Santiago) y Uruguay (Catedral de Montevideo).
 Inglaterra se convirtió al nuevo estilo con los hermanos Adam influídos por Palladio y con Josiah Wedgwood. Las mejores obras inglesas de este estilo son la la Trinity House, el Banco de Inglaterra y el Palacio de Buckingham  (Londres). En Italia hubo dos centros importantes del neoclásico: Milán con los arquitectos Piermarini (teatro de la Scala, Palacio real) y del Cagnola (Arco de la Paz) y Roma con Valadier (Plaza de Popolo) y Simonetti (Museo del Vaticano).
 La mejor muestra del neoclasicismo ruso es la ciudad de Leningrado, hoy San Petersburgo, cuya Academia adoptó las  normas estéticas de la parisiense y donde trabajaron sobre todo arquitectos extranjeros: Thomon (columna Poltoya, teatro de Moscú), Montferrand (Catedral de San Isaac), Carlo Rossi  (Palacio del Senado). En Alemania fue Berlín el centro más activo (Puerta de Brandeburgo de Langhaus y Museo de Berlin de Schinkel). También Munich, con su Pinacoteca obra de Klenze.
  A finales del siglo XVIII, las grandes ciudades estadounidenses contaban con edificios neoclásicos. Su mejor arquitecto fue Jefferson autor del Capitolio de Richmond y de la Universidad de Charlottesville.


ESCULTURA
EROS Y PSIQUE

BUSTO DE NAPOLEÓN

El italiano Antonio Canova (1757-1822) es la máxima figura del neoclasicismo escultórico. Sus obras se caracterizan por una idealización de la figuara humana que elimina todo movimiento espontáneo y natural. Cultivó el retrato (Napoleón , Paulina Bonaparte). Erigió también los magníficos monumentos funerarios de los Papas Clemente XIII y Clemente XIV.
 El danés Bertel Thorvaldsen (1768-1844)  fue un creador muy prolífico, en el Muse de Thorvaldsen de Copenhague se conservan más de quinientas obras suyas. Permaneció casi toda su vida en Roma, donde realizó algunas de sus mejores obras de tema mitológico (Eros y Psique, Jasón, Ganímides y el Águila).
 En Inglaterra, el principal representante del Neoclasicismo fue John Flaxman (Sepulcro de Almirante Nelson en la Catedral de San Pablo de Londres)
 En Francia, los tres escultores más dignos de mención son Jean Jacques Pradier (autor de las doce Victorias de la tumba de Napoleón I en Les Invalides), Francoise Rude (grupo de La Marsellesa en el Arco de Triunfo de l'Etoile) y David d'Angers, que ya inicia la tendencia romántica.


EL JURAMENTO DE LOS HORACIOS

PINTURA


Los máximos representantes del Neoclasicismo  son franceses, pues en esta época París vuelve a ser el principal centro creador de novedades artísticas.
 El pintor que contribuyó de un modo decisivo a la afirmación del estilo neoclásico fue Jacques Louis David (1748-1825), que desarrolló una extensa producción de cuadros de historia y mitología clásica, caracterizados por su frialdad y por su monumentalidad (Juramento de los Horacios, Las Sabinas, Juramento del juego de pelota).
 Antoine Gros (Los estados de Jaffa) revela un gusto por el color, ajeno a la influencia davidiana y más cercano al Romanticismo.
 Jean Auguste Dominique Ingress (1780-1867) fue un excelente retratista (Mademoiselle Riviére); pintó cuadros históricos (Apoteosis de Napoleón) y religiosos (Juana de Arco), pero su fama la debe a sus sensuales desnudos femeninos, entre los que se destaca el Baño Turco.
 En España, por la misma época la genialidad de Goya, completamente despreocupada del neoclasicismo de moda, representa la más alta cima de creatividad pictórica. Franciso de Goya y Lucientes (1746-1828) empezó a hacerse famoso entre la nobleza y los grandes cortesanos por su labor como retratista. Pintó al ministro Floridablanca, al Infante Don Luis y después fue nombrado primer pintor de cámara de Carlos IV, retrató a Godoy y a la Familia de Carlos IV. Más tarde retrataría también a Fernando VII.
 En 1792, sufrió una grave enfermedad a consecuencia de la cual quedó sordo, iniciándose con ello un período de ensimismamiento que lo llevan a realizar la serie de grabados titulada Los Caprichos.
 La invasión napoleónica de 1808 le causó un terrible impacto que se refleja en su nueva serie de grabados Los desastres de la guerra. Terminada la contienda, en 1814, pintó dos de sus obras maestras,  La lucha de los mamelucos y Los fusilamientos en la montaña del Príncipe Pío, en las que se inicia su vena expresionista. De la misma época es la colección de aguafuertes Los desastres de la guerra.

SATURNO DEVORANDO A SUS HIJOS - PINTURAS NEGRAS - GOYA

LOS TOROS DE BURDEOS

 LA LECHERA DE BURDEOS

En 1819 realizó la más atormentada de sus pinturas, que jamás haya pintado nadie: las Pinturas Negras, así llamadas tanto por el tono predominante oscuro de su paleta, como por el carácter tenebroso de su temática (aquelarres, brujas, demonios). Sus últimos años, tras la reacción absolutista de 1823, los pasó voluntariamente exiliado en Francia, donde pintó Los toros de Burdeos (serie de hermosas litografías) y La lechera de Burdeos, su última obra importante.
 GOYA de VICENTE LOPEZ

Vicente López (1722-1850), que se destacó sobre todo como retratista (Goya, Fernando VII) y José de Madrazo (1781-1859), que realizó composiciones de gran teatralidad (Disputa entre griegos y troyanos), son los dos representantes españoles típicos de la pintura neoclásica.


Fuente: Enciclopedia Temática Océano.


Melan.

lunes, 24 de mayo de 2010

BIENAL INTERNACIONAL DE ESCULTURA 2010 DEL 17 AL 24 DE JULIO EN RESISTENCIA CAPITAL DE LA PROVINCIA DEL CHACO, ARGENTINA.







MIMO EIDMANESCULTORA ARGENTINA






No sé si alguna vez les conté que tengo una amiga escultora. Ella es Mimo Eidman, escultora reconocida internacionalmente con varios primeros premios en su haber.



Bien hace ya años, ha organizado junto con un grupo de artistas de la ciudad de Resitencia, la ciudad de las esculturas, esta Bienal que convova y atrae a escultores de todo el mundo.



Es fascinante verlos hacer nacer su obra del bloque de mármol u otros materiales especialmente traídos. En esos días la ciudad se engrandece, muchos turistas la recorren y los habitantes se enorgullecen de pertenecer a una ciudad que aparentemente muy pronto será distinguida con el título de patrimonio cultural de la humanidad.



Hace rato que no dejo nada en este blog, pero mi amiga me envió esta dirección de mail www.bienaldelchaco.com y por eso me pareció que no hay mejor manera que mirararte directamente, no sólo a la obra terminada sino a la obra desde que empieza a ser descubierta por el autor desde las entrañas del material con el que trabaja.



Y más aún, aquellos que son artistas tener la posibilidad de participar de ella. La inscripción termina el 26 de mayo, es una lástima que recicén hoy me entero y puedo publicar esta invitación. Espero que aún haya tiempo para aquellos que hoy visitan mi blog y les interesa inscribirse. Los requisitos están en los enlaces.



No es la mejor manera de mirararte?

BIENAL 2010+ REGLAMENTO• CONCURSO INTERNACIONAL• CONCURSO NACIONAL• PREMIO DESAFÍO+ ESCULTORES SELECCIONADOS• CONCURSO INTERNACIONAL• CONCURSO NACIONAL• PREMIO DESAFÍO JURADO ACTIVIDADES PROGRAMA PREMIO DESAFÍO PLANO DEL PREDIO TESTIMONIALES / BIENAL 2010 GALERÍA DE IMÁGENES / BIENAL 2010
DE REPENTE, EN UN LUGAR COMÚN, TE ENCONTRÁS CON EL ARTE, LO TOCÁS, LO SENTÍS, LO VIVÍS, TE MARAVILLÁS… Y ASÍ, UNAS 500 VECES MÁS.
La Bienal Internacional de Escultura 2010, del 17 al 24 de Julio, en Resistencia, capital de la provincia del Chaco. Esta edición convoca a 10 de los más prestigiosos artistas del mundo que realizarán, a cielo abierto y ante miles de espectadores, una obra original e inédita.La masiva concurrencia del público, proveniente de los más variados puntos del país y del mundo, transformará a este mágico escenario en el suceso cultural y social que, como en las ediciones anteriores, reunirá más de 150.000 personas para vivir un momento de vida a través del arte.El destino de las obras será las calles y avenidas de Resistencia, incrementando el patrimonio escultórico de la ciudad, actualmente conformado por más de 520 obras de los más destacados artistas del planeta. Las esculturas resultantes de esta bienal seguirán a la vista y al alcance de todos, en una ciudad que se muestra hoy como un singular museo al aire libre y como un espacio donde la importancia de sus obras, el respeto y el orgullo que sus habitantes sienten al poder contar con ellas, convergen en una verdadera expresión de identidad, en la cual el arte es mecanismo de perfeccionamiento y un medio de elevación espiritual."Invitamos a todos los habitantes del planeta a sentir la calidez de nuestra gente y les aseguramos que en todos los inviernos de sus vidas habrá un Chaco y una Resistencia, la Ciudad de las Esculturas”.ÚLTIMAS NOVEDADES GALERÍA DE IMÁGENES MECENAS TESTIMONIALES PRENSACONTACTO PUBLICITAR STANDS VER VIDEOPREMIO DESAFÍ0se prorroga la fecha de inscripción (unicamente vía WEB) hasta el 26 de mayoINSCRIPCIÓN GRATUITAa Talleres y Conferencias (cupos limitados)FUNDACIÓN URUNDAY Av. de los Inmigrantes 1001 Resistencia - Chaco - Argentina Te: 54 3722 415020BIENAL 2010 FUNDACIÓN URUNDAY MusEUM RESISTENCIA, LA CIUDAD DE LAS ESCULTURAS CONCURSOS ULTIMAS NOVEDADES TESTIMONIALES GALERÍA DE IMÁGENES MECENAS CONTACTO http://www.bienaldelchaco.com/






Melan

viernes, 30 de abril de 2010

DEL ROCOCÓ AL SIGLO XIX

Palacio Belvedere en Viena



EL ROCOCÓ





La fase final del arte barroco, por su cada vez mayor libertad estilista, acabó desembocando en una nueva sensibilidad: el Rococó. Al principio esta denominación encerró un tono despectivo y finalmente pasó a significar el nuevo estitlo decorativo de la Francia de Luis XV.


El Rococó nació en los frívolos ambientes del la fantasiosa burguesía francesa, que pretendió convertir la decoración de sus salones en una muestra exterior de riqueza. El Rococó no se consideró un estilo adecuado para edifios religiosos u oficiales, pero sí tuvo una gran aceptación en las casas privadas.


El Rococó, que más que un estilo artístico fue una moda cortesana, manifestó una gran preferencia por los materiales brillantes (metales, piedras preciosas, lacas, espejos, sedas) y por las formas extravagantes, sinuosas e imprecisas. Una de las características más revolucionarias del Rococó fue la revalorización de los géneros artísticos considerados menores: grabados, tapices, mobiliarios, miniaturas, porcelanas (entre éstas fueron famosas las de Sévres.

La arquitectura Rococó alcanzó escaso desarrollo pues pronto aparecieron las tendencias neoclásicas que iban a sustituirla. Sin embargo, sin embargo en Francia se construyó el Palacio de los Príncipes Doria, en Alemania los edificios reales de Berlín, Dresde y Munich, y en Viena el famoso Palacio Belvedere.